그누보드5

Artists

• LEE, IK RYEOL
  이익열의 작품세계는 텍스트에서 발화된 시각충동의 사건과 메타적 앵글로 보는 시각적 욕망의 변증법이다.이 과정에서 공백을 찾기위한 시공을 횡단하며 이를 내재화하려는 열정의 미학이 담겨져 있다.그의 작품에는 두 가지의 시각적 무의식에 관한 담화의 의미를 보이고 있는데, 첫째는 작가의 생존방식에서 겪은 직업에서 자유롭게 기인한 강박의 의식구조로 인해 포획된 사유방식의 잔해다.그가 창작생활을 지속하면서 독특한 job 이 있었는데, 이러한 다양한 경험들이 예술가로써 그의 철학적 담론과 사유의 본성이 창작이라는 승화의 존재로 다가온다. 그는 이러한 의식변화와 사건의 지점에서 예술가의 지평을 바라보는 무의식에서 환원된 형상과 자동차 레이서의 질주본능과도 같은 붓질의 경쾌한 속도감, 이러한 미의식은 분명히 그가 경험한 기술적 묘사의 관습과 상징화를 관자에게 보여주고 있으며, 작가는 모호한 인간 사회에 관한 수평성의 선과 색채조형은 시간과 속도라는 삶의 중심에서 분명히 인간의 왜곡된 시각주의와 문제의식을  표현하고 있는 것이다.'그는 구상적 형상이라는 존재의 주변에 도달했지만 그에게 투사된 질료방식과 시각적 재현은 그래서 실제가 아닌 것이다. 이익렬 작가의 또 다른 작품방향에서 언어를 내재화하는 조형방식에서 보이는  상징화한 텍스트의 사랑(Love), 질투(jealousy)호기심(curiosity) 은 그의 무의식에 내재한 욕망의 고백이며, 이 기표는실재를 붕괴하고 현대미술의 공백을 찾아가는 과정의 미학적 모호함이다. 역설적으로 캔버스라는 금기의 사유공간에서 시각적 대리만족의 쾌감이라는 파편화된 언어의 상징기표로 그의 축적된 미감을 관자에게 전달하며 예리한 감각의 조형적 화면을 절묘하게 연출하고 있다.
• CHO, YONG MOON
  Cho Yong-Moon  traces the form of the traditional image “Daedongyeojido” and explores aesthetic elements in the traces of past history, seeking the roots of our spiritual thought and identity based on a humanistic geographical narrative. He discovered his own creative medium and, through various experiments with surface textures, reinterpreted them into a visual language, creating large-scale installations over a long period under the coined term “mapping.” The object in the medium he frequently uses is cardboard. The aesthetics of excavating between the unique grain of the cardboard has, in fusion with the artist’s inherent unconscious, sometimes sublimated into metaphors of time and memory through the flow of corrosion and oxidation, transforming into a new language. Through his work, he creates textures by producing a surface engraved with intense and subtle color tones that sublimate the spirit of labor, and through the exploration and experimentation of new media, he pursues an aesthetics that seeks a fractured gap between abstract expression and representational representation, acquiring pop elements of the hybrid concept and the accidental texture of spontaneity through the investigation and experimentation of new media.조용문작가는 전통의 이미지인 ‘대동여지도’의 형상을 추적하고 과거역사의 흔적에서 미학적 요소를 탐구하면서 인문지리학적 서사를 기반한 우리의 정신적 사유와 정체성의 뿌리를 찾는 작가다. 그는 자신만의 창의적 매체를 발견하여 표면 질감에 대한 다양한 실험을 통해 조형언어로 재해석하고 ‘ mapping’ 이라는 조어로 오랜 기간 대규모 설치작업을 해왔다. 그가 즐겨 사용하는 매체의 사물은 골판지다. 골판지의 독특한 결과 골 사이에서 발굴하는 미학은 작가의 내재된 무의식과 융합되면서 때로는 부식과 산화과정의 흐름에서 시간과 기억의 메타포로 승화 되며 새로운 언어체계로 변환되고 있다. 그의 작품에서 보여지는 노동성의 혼을 승화한 강렬하고 미묘한 색채감에 음각된 표층을 만들어 텍스추어(Texture)를 구성하고, 새로운 매체의 탐구와 실험을 통해 혼성(Hybrid)개념의 팝 적인 요소와 즉흥성의 우연한 질감을 획득하며 추상표현과 구상성 재현이라는 사이의 균열된 틈을 찾는 미학을 추구하고 있다. 
• BAEK GONG
  The "Dimple Canvas" series transcends time and space, which is a fragment of the artist's deviant memory in the structural confrontation space of plane and three-dimensional space, that is, it recognizes it as a starting point and physically individualizes the spatial concept of "視" in which personal contemplation acts arising from Reminiscent thoughts seep from the outside world and move to the inside world. The pictorial transformation of the fine color movement from the square frame to the centrifugal is a crossing of insight toward a point of thought and a kind of visual "Happening" that awakens the emotions of the audience and shares curiosity and pleasure. The Omok Canvas, which he developed on his own, emerged from Jo Eung (調應) through constant intellectual exploration of objects and deep thinking as a creative medium of his fictitious technology. '백공 한 점으로 말하다'는 ‘보조개 캔버스” 연작은 시공을 초월하여 평면과 입체라는 구조적 대립 공간에서 작가의 일탈된 기억의 파편 조각 즉, 그것은 한 개의 출발 점으로 인식하고 ‘레미니슨트’( Reminiscent)의 사유로부터 기인한 개인적 관조행위가 외부세계로부터 스며들어 내부세계로 이동하는 ‘通視(통시)’라는 공간개념을 물리적으로 개체화하고 있으며, 정방형의 틀에서 원심으로 향한 미세한 색채 운동의 회화적 전환은 사유의 한 점을 향한 통찰의 횡단이자 관자의 감성을 깨우며 호기심과 즐거움을 공유하는 일종의 시각적 'Happening'이다. 그가 자체적으로 개발한 오목캔버스는 그의 가공적인 기술의 창작매체로써 끊임없는 대상에 대한 지적 탐구와 깊은 사유의 근성을 통해 조응(調應)에서 출현한 것이다 
• HONG, JU YOUNG
  Hong Joo-young takes a real aerial shot of the natural field in the Palus area of Washington state in the U.S. on a small plane. In this way, he is an artist who reproduces the majesty of nature regarding the existence of Mother Nature and approaches it with a painterly aesthetic, transcending the scope of photography. With the evolved angle of ultra-scientific technology of modern civilization, it explores the great earth of epicenter spread by God, like the eyes of an eagle viewed from a high sky, and traces the fundamental beauty of ancient times. The photographic aesthetics he pursues is a modernization of the evolved photographic art that goes beyond the photographic revolution of the 20th-century Russian writer "Alexander Rodchenko," recreating the hidden beauty through his keen eyes. It is approaching the landscape of 衛 with a new methodology and shows a pre-natural avant-garde consciousness representing four-dimensional visualism. Now, experts do not distinguish the realm of contemporary art, but are destroying the categories of photography, painting sculpture, and installation with a mixed proposition of multiple art. 홍주영 작가는 직접 소형 비행기를 타고 미국 워싱톤주 ‘팔루스’ 지역의 자연 들판을 실재 항공 촬영을 한다. 이 처럼 대자연의 존재에 관한 자연의 장엄함을 재현하며 사진의 범주를 초월, 회화적인 미감으로 접근하는 작가다. 현대문명의 초 과학 기술이라는 진화된 앵글(Angle)로 마치 높은 창공에서 바라보는 독수리의 눈과 같은 신이 펼쳐놓은 대서사의 대지(大地)를 탐사하고 태고의 근원적 미를 추적하고 있다. 그가 추구하는 사진미학은 20세기 러시아 작가 ‘알렉산더 로드첸코’의 사진혁명을 다시 뛰어넘는 진화된 사진예술을 현대회화로써, 특수한 공간미학을 그의 예리한 눈을 통해 숨겨진 아름다움을 재창조해 내고 있는 것이다. 대자연의 경관을 새로운 방법론으로 접근하고 있으며 4차원의 시각주의를 표상하는 전위(前衛)아방가르드적 의식을 보여주고 있다. 이제 전문가들은 현대미술의 영역을 구분하고 있지 않으며 다원예술이라는 혼재된 명제로 사진, 회화 조각, 설치의 범주를 파괴하고 있다.
• HAEKEUNG PARK
  By projecting various phenomena occurring in nature onto life that is a part of nature, it recognizes the essential principles of nature and raises problems with the inherent philosophy of life. In order to express the subject, I am working in an unstructured way using several mixed materials. As part of an effective method of delivering the subject, it is expressed as a lenticular work that combines modern technology with flat painting so that viewers can experience the three-dimensional feeling. Furthermore, it is expressed as media art that gives surprise and fun by working with videos. In addition, painting work that combines Eastern and Western philosophy is continuously in progress by using hemp cloth, a natural material, as the main object based on the non-spherical painting work. Whatever form of my work appears, it eventually comes down to nature and people. Through the work, we are focusing on giving a message of hope and positive in the future by recalling the traces of the individual's past and projecting the present life. (Among the artist's notes)자연에서 일어나는 여러 현상을 자연의 일부인 삶에 투영하여 본질적 자연의 이치를 인식하고 내재된 삶의 철학에 문제를 제기한다. 주제표현을 위하여 여려 혼합재료를 사용하여 비구상으로 작업하고 있다.효과적인 주제전달 방법의 일환으로 평면회화에 현대기술을 접목한 렌티큘러 작품으로 표현하여 입체의 느낌을 감상자가 체험 할 수 있게 하였다. 나아가 동영상으로 작업하여 놀라움과 재미를 주는 미디어 아트로도 표현하고 있다. 또한 비구상 회화작업 기본바탕에 천연소재인 삼베실을 주오브제로 사용하여 동서양의 철학을 접목한 회화작업을 지속적으로 진행하고 있다. 나의 작품은 어떤 형태로 나타나던지 결국은 자연과 사람으로 귀결된다. 작품을 통하여 개인의 과거 흔적을 회고하고 현재의 삶을 투영하여 다가올 미래에 희망과 긍정의 메시지를 주는데 집중하고 있다( 작가노트 중에서)
• PARK YOUNG YUL
  In the past, artist Park Young-yul achieved considerable attention and accomplishments in the art world through his representational works known as the Pine Tree Series. Since then, through deep insight, he has been tracing the essence of painting and experimenting with the gap between the materiality of painting and visual perception, immersing himself in a new transformation at this point. The current mode of work establishes a dual-structured frame that arises from experimenting with transcendental limits in flat painting. It reproduces painting as a discourse concerning the dynamics of the physical phenomena of abstract imagery and color flow, in which the hybrid fusion of real and virtual phenomena arises from the extreme opposition between the inner and outer representations. It also realizes in the work a non-visual phenomenon that expresses the painteric reality of existence and non-existence. At the same time, he examines the meaning inherent in colors that objectify the subjective reality of the external subject, and expresses his deeply embedded unconscious through pictorial symbolic signs outwardly. In his recent works, he creates extraordinary pieces that abstract the representation of symbolic colors in Eastern thought through the brush as a medium, expressing a fluid flow in monochrome calligraphic form, and then reproducing the symbolized forms of color on that surface.박영율 작가는 과거 소나무시리즈라는 조형성의 재현작품으로 미술계에 상당한 주목과 성과를 이루었다. 이후 그는 깊은 통찰을 통해 회화의 본질을 추적하고 회화의 물성과 시각적인 인식 사이 간극을 실험하면서 이 지점에 새로운 변화에 몰입하고 있다. 현재의 작업방식은 평면성의 회화에서 초월적 한계를 실험하면서 발생되는 이중구조의 프래임을 설정한다 그리고 내부와 외부 표현의 극한 대립에서 발생되는 혼성된 실재와 가상의 융합현상을 추상적 이미지와 색상흐름의 물리적 현상의 역학관계에 관한 회화를 재현하고 있으며, 존재와 비 존재의 회화적 실제를 표현하는 비시각의 현상을 작품에 구현하고 있다. 동시에 외부 대상이라는 사유적 실재를 객관화한 색상에 내재한 의미를 고찰하고 자신의 내재한 깊은 무의식을 회화적 상징기표로 외부에 표현하고 있다. 최근 작품은 동양사유에서 상징적 색상의 표상을 붓이라는 기재를 통해 유동적 흐름을 단색조의 캘리그래픽으로 추상화하고 그 표층 위에 다시 상징화된 색상의 형상을 재현하는 비상한 작품을 만들고 있다.  Artist Note / 작가 노트
  
  세상 모든 존재들은 변화할
  수밖에 없는 숙명을 지니고 살아가고 있다. 더군다나 우리 인간은 무수한 생각과 더불어 살아가는 존재이기에 그 변화라고 하는 숙명은 가혹한 짐
  꾸러미 일 수밖에 없다. 최근 작품에서 사유적 전환은 철저히 ‘나의 내부’ 만을 향한 의미적 전환이라고 할 수 있고 그
  여정의 시작은 몇 년 전의 나의 작업들에서 이미 예견 되었다. 나의 사유의 표면에 서식하며 나를 지배하고 있는 ‘자아’ 라는 의식의 영역과 그와 동시에 내 사유의
  심해에서 꿈틀대는 ‘무의식’ 이라고 하는 우주와도 같은 영역들..작가노트 중
• YUN, IN JA
  The bush-like figure, which appears to be a bizarre type of plant, is a technical trace of Seo Hong-seok's free expression and thought that emerged from the continuity of thousands of drawing processes.Through many humanities reading, he attempts to collapse colors that deviate from the general perspective by expressing the polar sensibility of pain and joy between the top and the abnormality based on philosophical appeal or the difference and extension of the binary opposition propositions called "Jack Deriga" (差延). Goethe's theory of color tracks the phenomenology of unrealistic visual ambiguity such as the interaction between light and darkness.This is an act of session into the emotional and thinking world dominated by the artist, longing to escape from the original desire (Libido) of deeply latent deficiency in the aesthetic world of the artist, and experimenting with the aesthetics of Madness and 疎 in a unique and sophisticated way to reproduce true alienation and 我 between the spaces of unconsciousness. 서양화를 전공한 작가의 풍경화는 동양의 산수화와 닮았다. 사실과 추상, 과학과 영, 물질과 정신, 몸과 마음 등 이분법적 사고를 넘어 형이ㅁ상학의 입장에서 자연을 인간화, 다시 인간을 자연화한다면 작품의 내용에 가까워진다. 인간의 지배를 받는 자연을 서 양의 풍경이라 한다면 야생의 자연을 우리는 풍경이라 할 수 있다. 자연은 인간에게 삶 의 터전을 주었고, 근원이 되었고, 각자의 의미를 지닌 예술의 표현 대상이 되었다. 그 래서 그 가치를 담고 있는 동양의 풍경화는 도가의 자연관까지 거슬러 올라간다. 작품 의 제목마저 정령(精靈)이다. 영은 우리가 증명할 수 없는 기운이다. 그들만의 기운이 있다. 나무, 숲이라는 물질적인 공간이 아니라 정신적인 차원에서의 자기 환원을 의미 하는 것이다. 자연이 ‘자연스럽다’에서 나왔듯, 외부의 간섭이나 압력이 아닌 자발적으로 이루어진 현상이기에, 숲 작품은 우리가 인식되어 온 자연이라는 세계관을 지각하고 재현하는 방식과는 다른 결과로 다가온다. 그림은 아래에서 위로 자연스럽게 시선이 옮겨진다. 아래쪽 나뭇잎의 큰 붓 터치를 시 작으로 위로 올라가면 갈수록 겹겹이 쌓인 나뭇잎 뭉치가 아지랑이가 일 듯 아련하고 비가 떨어지듯 수직 하향을 한다. 나뭇잎들 사이의 색칠이 없는 특정 부분은 황모 캔버스의 거친 질감에도 불구하고 동양화의 여백처럼 남겨져 있다. 숲은 숲으로 보이지 않 고 자신들의 삶의 영위를 위해 만든 군락이 되었다. Artist’s NoteWhenever I
  encounter the stillness of nature and the reverberation of that sacred silence,
  I see and hear numerous stories of life waking up and continuing to rest again.
  I take a natural awe from this dynamic of the great cycle. Methods of recalling
  nature vary depending on individual experiences and memories. A place where
  time, emotions, and memories were created and accumulated if we accept the
  community consciousneㅁss, coexistence, and space of coexistence that nature
  gives us. I calmly transfer the stories there to my canvas. I try to express
  infinite power and abundant energy in the mountains and seas, the gentle
  comfort and deep soul emotions felt in the forests and tidal flats, and the
  clear and lively energy given by the forsythia and azalea cluster, but
  sometimes a small sense of despair comes.
  
  Why do you
  insist on working on the back of the canvas? I am frequently asked. This is due
  to the fact that the raw, raw, raw, raw, and rough fabrics that you cannot feel
  on the front of the canvas trimmed by surface treatment reveal the raw, raw
  life. As layers of paint are stacked on the rough-surface canvas, the
  clattering touches and sounds of knives and brush strokes always convey lively
  pleasure and tension. Put down the typical principles of shading and
  perspective appropriately. To make the screen flat and simple, the shape and
  color are controlled as much as possible. The infinite repetitive brush and
  knife strokes overcome the simplicity of the primary color and color it with
  deep density. 
• SEO, HONG SEOK
  The bush-like figure, which appears to be a bizarre type of plant, is a technical trace of Seo Hong-seok's free expression and thought that emerged from the continuity of thousands of drawing processes.Through many humanities reading, he attempts to collapse colors that deviate from the general perspective by expressing the polar sensibility of pain and joy between the top and the abnormality based on philosophical appeal or the difference and extension of the binary opposition propositions called "Jack Deriga" (差延). Goethe's theory of color tracks the phenomenology of unrealistic visual ambiguity such as the interaction between light and darkness.This is an act of session into the emotional and thinking world dominated by the artist, longing to escape from the original desire (Libido) of deeply latent deficiency in the aesthetic world of the artist, and experimenting with the aesthetics of Madness and 疎 in a unique and sophisticated way to reproduce true alienation and 我 between the spaces of unconsciousness. 기괴한 형상의 식물종류로 보이는 덤불과 같은 형상은 서홍석 작가가 그 동안 수 천 점의 드로잉 작업과정의 연속성에서 발현된 자유로운 표현과 사유에서 기인한 기술적인 흔적들이다.그는 평소 많은 인문학적 독서를 통해 고통과 환희라는 양극적 감성을 철학적 소고에 기반한 정상과 비정상 사이 또는 ‘자크 데리가’가 얘기하는 차이와 연장에서 차연(差延)이라는 이항대립의 명제들에서 빛과 어둠 그리고 기괴한 형상의 자연 대성을 표현하면서 일반적인 시각에서 벗어난 색채의 붕괴를 시도한다. 괴테의 색채論에서 ‘빛과 어둠의 상호작용’ 같은 비현실의 시각적 모호성의 현상학을 추적하고 있다.이것은 작가의 미의식 세계에서 깊게 잠재된 결핍이라는 원초적 욕망(Libido)으로부터의 탈피를 갈망하면서 그만이 지배하고 있는 감성과 사유세계로 회기 하려는 행위이며 무의식이라는 공간 사이에서 진실된 소외(疎外)와 자아(自我)를 재현하려는 독특하고 세련된 방식의 직관과 광기(Madness)의 미학을 실험하고 있는 것이다.  (Alvin Lee)    
• Kang Hong Q
  Kang Hong-Q is an artist who has been focusing on the beauty of the pictorial transformation of photography. In the variation of diversification of photography, he maximizes the formative elements that transform into a modern perspective on the screen. These works are reinterpreted by discovering the beauty hidden from the traces of tradition with the angle of his unique screen. The 色 and grid screens that are seen in his work as a whole show the geometric spatial analysis focused on by Mondrian and Frank Stella in the past and the painting formative method based on implied contemplation. His eyes pay attention to the object of past time that we inadvertently overlook, capture and restructure the light and color triggered by its appearance and trace, and reproduce it as a pictorial picture on the Kenbus plane. The artist's intimate angle-exploring screen composition rediscovers visual aspects, lines, colors, etc. based on the simplicity element of the minimal concept that he has been hosting for a long time in his consciousness and memory, and focuses on narrative landscapes such as Photography's "Mise-en-scène" composition. The characteristics of this work, such as the geometric color formation of modernity, show the subtle texture and formative ability of the modern color spectrum, which is abstracted and restructured from the traditional colors of Korea's five-way 色. The focus of the angle he pursues with his eyes in this exhibition is largely being reborn by the angle of his intuition, just like a photo restored by reinterpreting the original colors of Korean aesthetics and historical fragrances, hidden in the traces of old temples and rough, sedimentary traces naturally exposed in the course of long periods of rain and wind. 강홍규 작가는 사진의 회화적 변용방식에 의한 美에 천착해 오고 있는 작가다.. 그는 사진술의 다원화라는 변주 속에 현대 시각으로 전환시키는 조형 요소를 화면에 극대화 하고 있다. 이번 작품들은 전통의 흔적으로부터 숨겨진 美를 그의 독특한 화면의 앵글로 발굴하여 재해석한 작품들이다. 그의 작품에 전체적으로 보이는 色과 그리드( grid) 화면은 과거 ‘몬드리안’이나 ‘프랭크 스텔라’가 집중한 기하학적 공간해석과 여백에서 차용한 동양적인 깊은 사유와 묵시적 관조(Contemplation)에 의한 회화적 조형 방식을 보여주고 있다.그의 눈은 우리가 무심코 지나친 과거 시간의 사물이라는 오브제에 주목하고, 그 외형과 흔적에서 촉발하는 빛과 색을 포착, 재 구조화하여 켄버스 평면에 회화적 사진으로 재현하고 있는 것이다. 작가의 내밀한 앵글로 탐사하는 화면구성은 그의 의식과 기억에서 오랫동안 숙주 하고 있던 미니멀( Minimal)개념의 단순성 요소를 기반한 시각적인 면,선, 색채, 등으로 재발견하고 사진학(Photagraphy)의 ‘미장센’ 구도와도 같은 서사적 풍경에 포커스를 맞추고 있다., 현대성의 기하학적 색채조형과 같은 이번 작품의 특징은 한국의 오방색(五方色)의 전통적인 색을 추상하여 재 구조화한 현대적 칼라 스팩트럼의 미묘한 질료감(texture)과 조형능력을 보여주고 있다. 이번 전시에서 그가 눈으로 쫓는 앵글의 초점은 주로 오래된 사찰의 흔적과 비 바람의 오랜 시간의 흐름에서 자연스럽게 노출된 거칠고 퇴적된 흔적의 숨겨진 한국미학의 정체성과 역사적 향기의 원형 색을 재해석하여 복원된 사진처럼 그의 직관이라는 앵글에 의해 재 탄생되고 있는 것이다  (이붕열,IACO 대표, 독립큐레이터, 평론 ) 
• PARK, BYUNG CHOON
  Park Byung-choon's work summons primitive beauty. The work method connected to the minimalism of contemporary art that he explores is the starting point of expression to show the power of existence that naturally emerged (出現) from the nature of the fundamental act that mankind began. Why do humans long for traces of existence to represent their phasos? His method of work is starting from a sense of problem. After numerous colors on the surface of the canvas are constructed with several surface layers through encounters with time, the traces are repainted and applied on the floor like traces of life, and the meditative practice is repeated with a sharp knife such as a sculpture. The text of 'Michelle Foucault's 'Difference Reserves in Repetition' seems to add to the artist's performance value. This oriental way of performing unspokenness is a work that explores the reality of existence in the trajectory of life from the past to the present through countless scratching labor practices, and imprints and represents the unconsciousness of pain and desire for Jouissance on the medium of canvas with his own unique and delicate penmanship박병춘의 작품은 원시적 미를 소환하고 있다. 그가 탐색하는 현대미술의 미니멀리즘과 연결된 작업방식은 인류가 시작한 근원적 행위의 본성에서 자연스럽게 출현(出現)한 존재의 힘을 보이기 위한 표현의 시작점이다. 왜 인간은 자신의 페이소스를 나타내기 위한 존재에 대한 흔적을 갈망하는가? 문제의식으로부터 그의 작품방식은 출발하고 있다. 캔버스의 표면에 수많은 색상이 시간과의 조우 현상을 통해 여러 표층을 구축한 후, 인생의 흔적처럼 바닥에 그 자취를 다시 칠하고 바르면서 시간의 흐름에 따라 변화하는 표면 질감과 현상에서 조각도와 같은 예리한 칼로 반복적 긁기와 함께 명상적 수행을 반복한다. ‘차이는 반복에 거주한다’라는 ‘미쉘 푸코’의 텍스트가 작가의 수행가치를 더 하는 듯 하다. 이러한 동양적 무언 수행 방식은 수없이 많은 긁기라는 노동행위를 통해 과거로부터 현재에 이르는 삶의 궤적에서 존재에 대한 실체를 탐험하고 고통과 주이상스(Jouissance)라는 욕망의 무의식을 그만의 고유하고 섬세한 필치로 캔버스라는 매체 위에 각인하고 표상하는 작품이다

• 게시물이 없습니다.