Artists

• JUN, SUNG AH
  Jun, Sung-Ah is a next-generation elite artist who majored in photography and digital art at the New York Platt. It explores a new scene of contemporary art that fuses the technical elements of contemporary photography with media, the mechanism of advanced modern civilization, and experiments with the phenomenon of a pluralistic media of time and space that projects light. It appears that the artist’s such endeavor produces, through her own original aesthetic, the emptiness that arises in the pursuit of the unknown world of humanity and the unstable discourse of the future world that mankind aspires to. Through a youthful consciousness and a critical perspective, it conveys new solutions to the problem of the way we think about human existence within the environment of the Earth’s ecosystem, including recent climate change. Through the interactions and movements of objects seemingly trapped in the transparent space of polyhedra—an ambiguous image shaped by the possibilities and forms of various manipulation technologies within the media ecosystem—the artist conveys, with a free and tense visual perspective, the fiction of human existence and the fragmented masses of various beings concerning life and being. What, then, is the meaning conveyed through a screen effect like a vacuum and the spaces left behind? It presents an imagination that expands the curiosity about human existence in a future space.,,전성아는 뉴욕 플렛에서 사진과 디지털 아트를 전공한 차세대 엘리트작가다. 현대사진의 기술적 요소와 이를 현대첨단문명의 메카니즘인 미디어를 융합한 현대미술의 새로운 지형을 탐험하고 레이저 빛을 투영한 시공의 다원적인 매체의 현상을 실험하고 있다. 작가의 이러한 시도는 인간의 미지세계를 지향하는 가운데 발생하는 공허함과 인류가 꿈꾸는 미래세상의 불안정한 담론을 그녀만의 독창적 미학으로 생산하고 있는 것으로 보인다. 최근 일어나고 있는 기후변화 등 지구생태계의 환경에서 인간의 존재에 대한 사유 방식의 문제를 젊은 의식과 비판적인 눈을 통해 새로운 해법을 관자에게 전하고 있다. 작가는 미디어 생태계의 다양한 조작기술의 가능성과 형상이 내어주는 모호한 이미지인 다면체의 투명한 공간에 갇혀 있는 듯한 대상들의 상호작용과 움직임을 통해 인간사회의 존재에 대한 허구와 생명체에 관한 다양한 존재들의 파편화된 질량을 자유로운 시각으로 긴장감 있게 전달하고 있다. 과연 진공 같은 화면 연출과 공백에서 해석되는 의미는 무엇일까? 하는 디지털과 아나로그 사이 미래공간에서 인간 존재의 궁금증을 확장하는 상상력을 제시하고 있다.Artist Note
  
  Growing up between Korea and California, Sung-Ah Jun
  developed a keen, observant perspective shaped by cultural displacement.
  Trained across photography, digital art, and art education at Pratt Institute
  and Teachers College Columbia University, she fluidly traverses painting,
  video, installation, and digital media. A painting becomes footage. Footage
  becomes an installation. The medium follows the idea, never the other way
  around. Rejecting rigid disciplinary boundaries, she allows the underlying idea
  to dictate the choice of medium. Ultimately, Jun continues to explore the open,
  transitional spaces between analog and digital, and between distant homes 
• HUH, CHUNG
  Heo Cheong consciously transforms an abstract image from a natural flower into an intensive intense and diverse color between an abstract image and a conceptual image, visualizing the vitality of flowers and the energy of nature, and expressing them in a unique texture on the canvas. His expression like this is one of the new expression techniques that amplifies the aesthetics of intense brush strokes and the vitality of nature. Sometimes it is a new discovery of the structural aesthetics of clustered flowers rather than the sense of shape of flowers.
  
  
  허청은 자연의 꽃이라는 추상적 이미지를 의식적으로 추상 이미지와 개념적 이미지 사이의 강렬하고 다채로운 색채로 변환하여, 꽃의 생명력과 자연의 에너지를 시각화하고 캔버스 위에 독특한 질감으로 표현한다. 그의 이런 표현 방식은 강렬한 붓질의 미학과 자연의 생명력을 증폭시키는 새로운 표현 기법 중 하나입니다. 때로는 꽃의 형태 감각보다는 군집된 꽃들의 구조적 미학을 새롭게 발견하는 것이 더 중요하다고 생각한다
  
   
  
  
   BLUE FLOWER 2401 73x61 Oil and acrylic on canvas 2024
   
  
  
  FLOWER CURTAIN 2505 91x73 Acrylic on canvas
   
  
  
   
   
  
  Artist Note
  Growing up between Korea and California, Sung-Ah Jun developed a keen, observant perspective shaped by cultural displacement. Trained across photography, digital art, and art education at Pratt Institute and Teachers College Columbia University, she fluidly traverses painting, video, installation, and digital media. A painting becomes footage. Footage becomes an installation. The medium follows the idea, never the other way around. Rejecting rigid disciplinary boundaries, she allows the underlying idea to dictate the choice of medium. Ultimately, Jun continues to explore the open, transitional spaces between analog and digital, and between distant homes
  
• RYU, YOUNG SIN
  Through his approach to the sacred existence of forests, the lifeblood of the Earth’s ecosystem, the artist connects contemporary aesthetics. All humans breathe through the forest, breathing in and renewing the atmosphere of nature. The discourse she pursues mines a formal language through the canvas surface that explores the environmental elements of forests—the very essence of the Earth’s environment and human life—and guides the viewer’s perspective, while expressing the spiritual motif of life’s restoration. This artist’s exploration offers humans a dazzling rest and leisure conveyed through the forest’s seasonal changes and colors. Through the process of abstraction, the empty space of the canvas is shaped, and it reveals to the viewer the mystery of subtle color gradations, which restructures in diverse ways the spiritual stability of the human mind that exists within the wood and the material texture of the surface. The textures on the surface are the result of her individually refined, painterly techniques, honed over decades through exploration and experimentation on flat canvases. When gazing at the work, it presents a simple monotone palette, yet the weighty texture of the surface breathes with the light, offering a multifaceted spectrum of colors.평론 글에서작가는 지구생태계의 생명인 숲의 신성한 존재에 대한 접근을 통해 현대적 미학을 연결하고 있다. 모든 인간은 숲을 통해 자연의 대기를 호흡하고 재생하는 숨을 쉰다. 그녀가 추구하는 담론은 지구환경과 인간의 삶의 본질인 숲의 환경적 요소를 캔버스화면을 통해 조형적인 언어를 채굴하고 관자의 시각을 유도하고 있으며, 삶의 회복이라는 정신적 모티브를 발현시키고 있다. 이러한 작가의 탐구는 숲의 계절변화와 색상이 전해주는 황홀한 휴식과 여유를 인간에게 선사하고 있다. 캔버스 공간의 여백을 추상과정을 통해 조형화하고 있으며, 나무와 그 속에 존재하는 인간의 정신적 안정과 표면의 질료적 결을 다양하게 재 구조화 한 미묘한 색채감의 신비를 관자에게 보여주고 있다. 화면의 텍스추어(Texture)는 그녀가 수십년간 평면 캔버스의 탐구와 실험을 통해 다듬어진 개별화된 화화적 테크닉의 결과물이다. 작품을 응시할 때 단순한 모노톤의 색감을 보여주지만 표면질감의 중후한 괘적은 빛과 호흡하며 다면적인 색상의 스팩트럼을 선사하고 있다.        Artist NoteThe existential aesthetics of the forest’s depth and the primal inner selves of humans and the forest, expressed through a formal language. Forest Black hole, which was expressed, followed by Forest, a series of Forest Divine works. It shifts in the direction of exploring the vitality of the vast universe of great nature from nature, In the primal nature untouched by human hands, the fundamental communion between the forest and the universe I wanted to get empathy A deep and sacred forest, using a sculptural language to depict the visible forest and the invisible forest While recreating, it also expresses the meaning of natural light coming through the forest, as well as nature and the universe. It also symbolizes a fundamental being작가 노트숲이 지닌 심층의 존재적
  미학과 인간과 숲의 원초적인 내면을 조형적인 언어로표현한 포레스트 블랙홀 에이어 숲을 연작으로한 포레스트 디바인은 자연으로부터 대자연의
  광대한 우주의 생명성을 탐구하는 방향으로
  전환된다, 사람의손길이닿지않는 원시의자연속에서숲과우주의 근원적 교감과공감을끌어내고싶었다 깊고 신성한 숲, 눈에 보이는 숲과 눈에
  보이지 않는 숲을 조형적인 언어로재창조 하면서 숲 사이로
  들어오는 자연광의 의미를 표현하기도 하고 자연과 우주의 근원적 존재를 상징하기 도한다
• JI, CHI GUN
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• ADIA KIM
  Humans are dust particles that exist from the cosmic chaos. However, it is not visible to our eyes. The artist visualizes the energy of the small waves that float within it. Her pursuit of the ontology of existence concerning the great nature she aspires to is an awe toward the great creator who made up the universe and all things, and a reflection on the uncertainty and existence of contemporary art. Therefore, her pictorial world is the product of an indulgence called “Jouissangse,” which simultaneously responds to nature and art, embedding itself at the center of that energy and becoming entangled and confused. The process of expressing a variety of colors that encounter chance upon the surface—this is, in Carl Jung’s words, a “meaningful accident.” And the collision caused by that fragment, the fantasy of fused formal aesthetics, possesses individuality that transcends the conventions of conventional abstract painting. 평론 글에서인간은 우주의 카오스로부터 존재하는 티끌이다. 그러나 그것은 우리의 눈에는 보이지 않는다. 작가는 그 속에 부유하는 작은 파동의 에너지를 시각화하고 있다. 그녀가 지향하는 대자연에 관한 존재미학의 탐구는 우주만물을 창조한 대타자에 대한 경외이며, 현대미술의 불확실성과 존재에 관한 고찰이다. 따라서 그녀의 회화세계는 자연과 예술을 동시에 조응하며 그 에너지 중심에 내재하고 혼돈하고 있는 ‘주이상스’라는 탐닉의 결과물인 것이다. 평면성 위에 우연성과 조우한 다양한 색채의 발현과정, 바로 이것은 칼융( carl Jung)이 말하는 ‘의미 있는 偶然’이다. 그리고 그 파편에 의한 충돌,융합된 조형미학의 판타지(Fantasy)는 기존 추상 회화의 관습을 초월하는 개별성이 있다. Artist Note We, who exist throughout the entire universe, are one;
  we are precious and beautiful beings of the whole universe.Energy that always exists in our lives, that acts on
  us even when it is invisible, just as there is a visible worldThere are things, and I found myself envisioning that
  world, as if drawn by this energy, like the source of all energy. These paintings brought me purification and healing
  and enabled me to fulfill my earnest wishes. Adia Kim온 우주에 존재하는 우리는
  하나, 우리는 온 우주의 소중한 아름다운 존재들입니다.우리 삶에 늘 존재하는
  에너지 즉, 보이는 세계가 있듯이 보이지 않아도 우리에게 작용하는 에너지들이 있고, 저는 이 에너지에 이끌리듯 모든 에너지의 근원 같은 그 세계를 그리게 되었습니다. 이 그림들이 저에게 정화와
  치유를 안겨주었고 간절한 바람들을 이룰 수 있게 해주었습니다. 
• LEE, TAEK KU
  Based in the Jeonju
  area, Lee Taek-gu
  mainly uses tradition and historical narratives as the foundation for the
  subjects of his work. Using the distinctive qualities of the famous Jeonju hanji
  paper as a medium, the artist elevates her unique sensibility into contemporary
  art and presents in the visual space the point in time created by the
  accidental encounter between tradition and modernity.
  
  The artist expresses stylized symbolic
  signs borrowed from the roof of a hanok, carved into a circular piece of wood
  centered on a space where the central point’s perspective becomes immersive.
  The gentle variation of the traditional five-directional color patterns along
  the diagonals engraved in the surrounding space appears as the result of an
  interaction born from his experiments in contemporary art. The curved movement,
  like that of a koi
  fish, is imagined as a Mobius
  strip, codified as a symbol of yin and yang, and the gentle, dance-like
  movement around the circular axis is perceived as one of the Eastern symbolic
  signs of reincarnation.
  
  Through a technical alteration concerning
  the object of “Oldness,” the artist covertly reveals, in a painterly manner,
  the transition of an elevated image through the technique of a modern
  sensibility called “Hybrid.”
  
   평론 글에서
  
  
  
  이택구 작가는 전주지역을
  기반으로 주로 전통과 역사적 서사를 근거 하여 작품의 소재로 삼고 있다. 유명한 전주지역 한지의
  특성을 매체로 이용, 작가의 독특한 감성을 현대미술로 승화 시켜 전통과 현대의 우연한 조우에 의한 시간의 접점현상을
  화면 공간에 연출하고 있다.
  
  작가는 중앙 지점 시각이 몰입되는 공간을 중심으로 원형의 목재에 양각된 한옥의 지붕에서 차용한
  도식화된 상징기표를 표출하고 있다. 주변 공간에 음각된 사선을 따라 오방 색 전통문양의 부드러운 변용은 그가 추구하는 현대미술의
  실험에 의한 상호작용이라는 결과물로 나타난다. 비단잉어 같은 곡선의 움직임은 음양의 상징으로 코드화된 메뷔우스 띠(Mobius Strip)로 상상화 되고 있으며 원형을 중심축으로 움직이는 부드러운 춤사위 같은 동세는 동양의 윤회(輪廻)적인 기표의 하나로
  인식된다. 작가는 옛 것(Oldness)이라는 개체(Object)에 관한 기술적인 변조를 통해 혼성(Hybrid)이라는 현대적 감성의
  테크닉으로 고양된 이미지의 전이(Transition)를 회화적 방식으로 은밀히 보여주고 있다.   
• KIM, S ME
  ..
• CHOI SOO
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